испанский живописец, основоположник кубизма, по опросу издания Тhe Times 2009 года самый известный художник XX столетия. Пикассо начал писать в раннем детстве — в его первых картинах образы обладали максимальным сходством с оригиналом, как и цветовая палитра. Пабло Пикассо — биография Пабло Пикассо: кто он такой подробно, самые известные картины художника, периоды и суть творчества, автопортрет живописца.
Как научиться разбираться в живописи Пабло Пикассо за 5 минут
Например, фигура сидящего мальчика в двух юношах 1905, Национальная галерея, Вашингтон, округ Колумбия напоминает древнегреческую скульптуру мальчика, вынимающего шип из ноги. К 1906 году Пикассо заинтересовался скульптурами с Пиренейского полуострова, датируемыми примерно с 6-го по 3-й век до нашей эры. Пикассо, должно быть, нашел их особенно интересными как потому, что они родом из Испании, так и потому, что они демонстрируют замечательное упрощение формы. Иберийское влияние сразу видно в Автопортрете 1906 , в котором Пикассо уменьшил изображение своей головы до овала, а глаза до миндалевидных форм, тем самым обнаружив свое растущее увлечение геометрическим упрощением формы. Африканский период 1907 Пристрастие Пабло Пикассо к экспериментам и черпанию вдохновения вне общепринятых художественных источников привело к его самой радикальной и революционной картине 1907 года: «Авиньонские девицы» 1907. Тема картины — женская обнаженная натура — не может быть более традиционной, но трактовка Пикассо ее революционна. Пикассо позволил себе здесь еще большую вольность с анатомией человека, чем в своем Автопортрете 1906 года. Фигуры слева на картине выглядят плоскими, как будто у них нет скелетной или мышечной структуры. Лица, видимые спереди, имеют носы в профиль. Глаза асимметричны и радикально упрощены. Контурные линии являются неполными.
Цветовые сопоставления-например, между синим и оранжевым — намеренно резкие и негармоничные. Представление пространства фрагментировано и прерывисто. Пабло Пикассо В то время как левая сторона холста в значительной степени подвержена иберийскому влиянию, правая сторона вдохновлена африканскими масками, особенно в ее полосатых узорах и овальных формах. Такие заимствования, которые привели к большому упрощению, искажению и визуальным несоответствиям, считались чрезвычайно смелыми в 1907 году. Например, голова фигуры в правом нижнем углу поворачивается анатомически невозможным образом. Эти расхождения оказались настолько шокирующими, что даже коллеги Пикассо негативно отреагировали на «авиньонских девиц». Французский художник Матисс якобы сказал Пикассо, что он пытается высмеять современное движение. Другие ученые считают, что французский художник Сезанн стал основным катализатором этого изменения стиля. Работы Сезанна 1890-х и начала 1900-х годов были отмечены как упрощением и уплощением формы, так и введением того, что историки искусства называют прохождением, взаимопроникновением одного физического объекта другим. Например, в «Мон-Сент-Виктуар» 1902-1906 Сезанн оставил внешний край горы открытым, позволив голубой области неба и серой области горы слиться воедино.
Это новшество — взаимопроникновение воздуха и камня — стало решающим прецедентом для изобретения Пикассо кубизма. Во-первых, это бросало вызов законам нашего физического опыта, а во-вторых, указывало на то, что художники рассматривали картины как имеющие собственную логику, которая функционировала независимо или даже вопреки логике повседневного опыта. Ученые обычно делят кубистические инновации Пикассо и французского художника Жоржа Брака на два этапа. На первом этапе, в аналитическом кубизме, художники фрагментировали трехмерные формы на множество геометрических плоскостей. На втором этапе, синтетическом кубизме, они обратили процесс вспять, собрав абстрактные плоскости вместе, чтобы представить человеческие фигуры, натюрморты и другие узнаваемые формы. Аналитический кубизм 1908-1912 Под сильным влиянием поздних работ Сезанна Пикассо и Брак в 1908 году начали серию пейзажных картин. Эти картины приближались к картинам Сезанна как по цветовой гамме темно-зеленые и светло-коричневые цвета , так и по радикальному упрощению природы до геометрических форм. Увидев эти картины, французский критик Луи Воксель ввел термин «кубизм». В «Домах на холме» Пикассо, Орта де Эбро 1909 , он придал архитектурным сооружениям трехмерное, кубическое качество, но отказался от традиционной трехмерной перспективы: вместо того, чтобы изображаться одно за другим, здания появляются одно над другим. Более того, он упростил каждый аспект картины в соответствии со словарем кубических форм — не только домов, но и неба.
Нейтрализуя различия между землей и небом, Пикассо сделал холст более единым, но он также внес двусмысленность, не отличая твердое тело от пустоты. Кроме того, Пикассо часто использовал противоречивые источники света. В некоторых частях картины свет, по-видимому, исходит слева; в других частях он исходит справа, сверху или даже снизу. Пространственные плоскости пересекаются таким образом, что зритель гадает, являются ли углы вогнутыми или выпуклыми. Умение сбивать с толку зрителя — обычная черта кубизма. К 1910 году стало очевидно, что в кубизме больше не было кубов и что иллюзия трехмерного пространства, или объема, исчезла. Пикассо, казалось, разрушил саму идею твердой формы, не только фрагментировав человеческую фигуру и другие формы, но и используя концепцию перехода Сезанна, чтобы объединить фигуру и окружающую среду, твердое и пустое, фон и передний план. Таким образом, он создал визуально последовательную картину, но эта последовательность не соответствует физической последовательности природного мира, как мы его воспринимаем. Решение Пикассо ограничить свою цветовую гамму темно-коричневыми и серыми цветами также говорит о том, что его картины инициировали радикальный отход от природы, а не пытались скопировать ее. В Натюрморте с палкой для стула 1912 Пикассо прикрепил к своей работе кусок клеенки на которой изображена плетеная палка.
Этим действием Пикассо не только нарушил целостность среды — масляной живописи на холсте — но и включил материал, который ранее не имел никакой связи с высоким искусством. Пикассо, по-видимому, подразумевает, что теперь искусство можно создавать с помощью ножниц и клея, а также с помощью красок и холста. Включив в свою работу кусочки ткани, газеты, обои, рекламу и другие материалы, Пикассо открыл дверь для любого предмета или материала, каким бы обычным он ни был, чтобы быть включенным в произведение искусства или даже заменить его.
Минерал добывают всего в нескольких местах в мире.
Откуда «текут» лазуритовые реки и океаны хорошо видно на знаменитой «Карте индустриализации Советского Союза». Возможность взглянуть на мировые шедевры искусства глазами геолога — это совместный проект Эрмитажа и Института Карпинского. Ему уже полгода. Раз в неделю в соцсетях публикуют познавательные статьи, которые специалисты советуют прочитать, перед тем, как отправиться в Эрмитаж или геологоразведочный музей.
Рассказывают не только про то, как добывают или создают предметы, много о камнях говорят их названия. Стекло было малодоступное и в окна люди вставляли слюду. Бесцветную слюду возили в Европу, где она тоже пользовалась широкой популярностью. Возили из месторождений Северной Карелии, и европейцы назвали московским камнем, мусковитом», — рассказал заместитель директора Геологоразведочного музея Института Карпинского Леонид Колбанцев.
Сегодня специалисты двух музеев готовят материал о стране пирамид, в частности, расскажут про известняковые породы египетских стел. В планах также продолжить тему пигментов и состава красочного слоя известных художников эпохи Ренессанса и Просвещения.
Это не только известный испанский xyдожник, но и скульптор, график, керамист, театральный художник, поэт и драматург. Говорят, что он назван так в честь нескольких святых и родственников.
Фото: AP То, что «Женщину с часами» успешно продадут, было ясно сразу, как только появились слухи о том, что портрет собираются выставить на торги. Эта работа — одна самых известных картин Пикассо. В свое время она стала сенсацией, к тому же вызвала скандал личного характера. Художник написал этот портрет своей возлюбленной Марии-Терезы Вальтер в 1932 году, в том же году он изобразил ее на картине «Сон». Показ «Женщины с часами» вскрыл отношения между Марией-Терезой и Пабло, которые завязались пятью годами раньше — в 1927-м, когда девушке было 17 лет.
Удивительные и неповторимые: лучшие работы Пабло Пикассо
| Самые известные картины Пабло Пикассо | Самые известные работы живописи Пикассо. |
| Пабло Пикассо | Все мы знаем известнейшего художника и одного из самых своеобразных гениев своего времени Пабло Пикассо – Самые лучшие и интересные новости по теме: Живопись, искусство, пабло пикассо на развлекательном портале |
Самые дорогие картины Пабло Пикассо
Самые известные работы Пикассо. У Пабло Пикассо огромное творческое наследие. Самым дорогим лотом уходящего года стала картина Пабло Пикассо «Женщина с часами» из коллекции американской светской львицы Эмили Фишер Ландау. «Авиньонские девицы», написанные Пикассо в 1907 году, являются самым известным образцом кубистической живописи. Алжирские женщины (Версия O) 1955 г. (“Алжирских женщины” это серия картин которую в 1956 г была приобретена Виктором и Салли Ганцами в Париже за 212 500 $. «Герника» Пикассо стала вечным напоминанием об ужасах войны и одним из самых знаменитых антивоенных символов.
Комментариев: 9
- Краткая биография
- «ОБНАЖЕННАЯ, ЗЕЛЕНЫЕ ЛИСТЬЯ И БЮСТ»
- Смотрите также
- Пикассо знаменитые картины | Смотреть 47 фото бесплатно
- 9 самых известных картин Пабло Пикассо
- Эрмитаж показал волконскоит, который Пикассо использовал в своих картинах
10 Самых Известных Картин Пабло Пикассо
В 1937 году Пабло Пикассо пишет, пожалуй, свою самую известную картину — «Герника» (на фото внизу). Кисти Пикассо принадлежат удивительные картины, самые знаковые из которых рассмотрим в этой статье. Картины Пикассо – это необыкновенное сочетание традиционной живописи и оригинального искусства. Картина знаменитого испанского художника Пабло Пикассо "Алжирские женщины (Версия O)" (Les femmes d'Alger (Version "O") продана на аукционе Christie’s в Нью-Йорке за рекордные 179,365 миллиона долларов, сообщает РИА Новости.
Портреты, быки и фавны: визуализация 8000 картин Пикассо
В число самых дорогих картин Пикассо работа вошла в 2010 году после продажи на аукционе Christie's за $51,6 млн. Трагедия Герники, или сюжет и обстоятельства создания одной из самых известных картин Пабло Пикассо. Если вы любите искусство, особенно живопись, то должны без труда назвать 10 самых знаменитых картин Пабло Пикассо. Кисти Пикассо принадлежат удивительные картины, самые знаковые из которых рассмотрим в этой статье. ТОП-10 самых известных картин Пабло Пикассо. испанский живописец, основоположник кубизма, по опросу издания Тhe Times 2009 года самый известный художник XX столетия.
Картина Пабло Пикассо «Женщина с часами» была продана за $139,3 млн
Переезд в Париж и знакомство с импрессионистами глубоко способствовали становлению и огранке таланта испанца. В картинах 1900-1903 года он увековечивал различные проявления печали, грусти, меланхолии. К этому периоду относится и «Девочка на шаре» из Пушкинского музея. Атмосфера грусти в творчестве Пабло разбавлена более светлыми, романтичными настроениями. Пикассо стал скрупулезно разбирать все, что он изображал на картинах, на большие и малые геометрические фигуры. Особенно интересно и новаторски смотрятся портреты, написанные в этой технике. Классический период.
Знакомство с русским балетом и со своей первой женой-балериной вносит некоторое переосмысление в творчество Пикассо, обратившегося в самом начале 20-х годов к догматам художественного искусства и создающего картины, резко отличающиеся от привычного ему кубизма. Одна из первых его работ в классическом стиле — «Портрет Ольги в кресле», где влюбленный художник запечатлел свою жену. С 1925 года автор испытывает большие творческие переживания, которые угадываются в его картинах — персонажи являют собой ирреальную монструозность, художник делает вызов, заигрывает с воображением зрителя, обратившись к сюрреализму. Одна из самых известных сюрреалистичных картин — «Сон» 1932 года. Военная тематика пришла в его творческую жизнь с гражданской войной, охватившей Испанию, а затем и всю Европу. Наряду с мрачным социальным фоном на жизненную атмосферу художника влияют также новые личные переживания: в его жизни появляется новая женщина.
После войны он создает всемирно известного «Голубя мира» и становится коммунистом. Этот период его художественной деятельности отражает его счастливые годы жизни. В этот период он активно реализует себя также как керамист. Начиная с 50-х годов трудно отнести его картины к одному жанру и стилю — он реализовывает все недосказанное в разных манерах и техниках. Он также интерпретирует знаменитые полотна других художников, выписывая их в присущем ему восприятии. Картины Пикассо разных периодов сегодня лидируют на рынке искусства, побив все мыслимые рекорды цен.
Так, например, сумма в 104 млн долларов была заплачена в 2004 году за его картину «Мальчик с трубкой» 1905 года, а в 2010-м его картина «Обнажённая, зеленые листья и бюст», написанная им в 1932 году, была продана за 106 млн. Сегодня купить картины Пикассо можно на открытых аукционах, однако самые известные шедевры его творчества уже заняли свои почётные места в частных коллекциях и лучших музеях мира.
Когда дошли до суммы в 88 миллионов долларов, их осталось только двое. Последней ставкой было 95 миллионов, но ее перекупили, заплатив 106,5 миллионов долларов. Сами работники компании в восторге от такого результата торгов, и говорят, что это показывает, насколько люди ценят искусство. Тогда это было в честь 80-летней годовщины со дня рождения художника. На картине изображена склоняющаяся обнаженная женщина, а на заднем ее фоне — портрет самого Пикассо.
Пикассо часто писал женщин — его вдохновляла женская грация, легкость движений и красота. В том числе он увековечит на полотне свою первую жену — Ольгу Пикассо — он изобразит ее в задумчивом, но очень прекрасном расположении духа. Эта и подобные ей картины принадлежат к периоду классицизма в творчестве Пикассо.
Особого внимания заслуживает послевоенный период творчества Пикассо. В это время было написано, наверное, наибольшее количество его работ. Причиной этому стало сближение с Франсуазой Жила, которая родила ему нескольких детей.
Пикассо меняет место жительства и до конца жизни проводит время на юге Франции, где вдохновляется и черпает силы и идеи для своих новых картин.
Родился будущий гениальный художник в 1881 году в Малаге на юге испанского побережья. Маленький Пабло вначале научился рисовать, а лишь потом говорить. В подростковом возрасте мальчик даже превзошёл своего отца, который был учителем рисования. Легенда гласит, что папа отдал свою палитру и кисти сыну и поклялся, что больше никогда к ним не прикоснётся. Пикассо поступил на учёбу в художественную школу в Барселоне. Обычно сдача вступительных экзаменов занимала целый месяц.
Пабло управился за один день. Когда Пикассо был уже знаменит, он заявлял, что в юности он рисовал «как Рафаэль». После этого он добавлял: «Правда мне потребовалась вся моя жизнь, чтобы научиться рисовать как ребёнок». Маленький Пабло со своей сестрой. Пабло Пикассо был вундеркиндом. Гениальный художник постоянно менял свой стиль В подростковом возрасте Пикассо писал довольно реалистичные портреты и пейзажи. Потом последовали так называемые «голубой» и «розовый» периоды.
Это было в промежутке с 1901 по 1906 годы. Пабло рисовал бедных детей и цирковые сцены. Это был искажённый портрет пяти проституток. Эта картина открыла двери абстрактному стилю и кубизму. К 1912 году Пикассо изобрёл коллаж. Он прикреплял клеёнку, газетные вырезки и другие материалы к полотнам своих картин. Всё это, наряду с повышенным акцентом на цветах, ускорило переход от так называемого аналитического кубизма к кубизму синтетическому.
Чуть позже Пабло стал практиковать некую форму неоклассицизма. В разное время своего творчества он включал в своё искусство элементы сюрреализма, экспрессионизма, постимпрессионизма и символизма. Автопортреты Пабло Пикассо. Художник постоянно менял свой стиль. Пикассо был одним из родоначальников кубизма Пикассо принадлежал к тем же богемным социальным кругам, что и множество других художников и писателей, включая Анри Матисса, Гертруду Стайн и Макса Джейкоба.
На изящном: «Герника» — история самой известной пацифистской картины
| «Генрика» Пабло Пикассо — история создания картины | Ниже представлены знаменитые и известные картины Пикассо с названиями и кратким описанием. |
| Картина Пикассо стала самым дорогим произведением в мире | В выставке было представлено множество картин и скульптур Пикассо и Дали, от наиболее известных работ до менее известных, которые были так же впечатляющими и интересными. |
| 10 знаменитых картин Пабло Пикассо | это одно из самых известных и влиятельных имен в мире искусства. |
Эрмитаж показал волконскоит, который Пикассо использовал в своих картинах
Не сумев свыкнуться с изменами и тяжелым характером творца, Жило ушла от него в 1953 году. В этом же году судьба свела художника с новой музой. Кто супруга Пабло Пикассо? Его женой стала Жаклин Рок. Когда первая супруга Пабло Ольга Хохлова умерла, он смог законно вступить в новый брак. Общих детей у них не было, но Пикассо воспитывал приемную дочь Катрин Ютен-Бле как свою. Она и стала его наследницей. Гений умер на своей вилле Нотр-Дам-де-Ви из-за остановки сердца на фоне воспаления легких.
Творчество Пикассо Как принято в Испании, Пабло получил две фамилии по первым фамилиям родителей: по матери — Пикассо, по отцу — Бласко. Первые работы юноша подписывал фамилией отца, — Ruiz Blasco, однако затем стал использовать фамилию матери — Picasso. С ней он и вошел в историю живописи. Какие самые известные картины Пабло Пикассо? Наиболее значимые работы художника: «Голубая обнаженная натура» 1902 , «Девочка на шаре» 1905 , «Авиньонские девицы» 1907 , «Герника» 1937 , «Голубка Пикассо» 1949. Самое дорогое произведение творца называется «Алжирские женщины» 1955. Полотно вошло в историю как самая дорогая картина, проданная с аукциона на тот момент.
Творчество Пабло можно разделить на несколько периодов, каждый из которых отличается стилистикой и тематикой. Художник использовал в произведениях голубые и холодные оттенки, чтобы передать глубокую меланхолию, одиночество и страдание.
Позже у Пикассо и Франсуазы родились двое детей — Палома и Клод. В это время художник часто рисовал своих детей и Франсуазу, но долгой идиллия не продлилась: в 1953 году Франсуаза забрала детей и ушла от Пабло Пикассо. Франсуаза больше не могла терпеть постоянные измены художника и его тяжелый характер. Это расставание художник переживал очень тяжело, что не могло не отразиться на творчестве. Доказательство тому рисунки тушью, на которых уродливый старик-карлик с красивой молодой девушкой.
Об этом говорила Мария-Тереза Вальтер, родившая ему дочь. Другая возлюбленная, Франсуаза Жило, писала, что жизнь с Пикассо сначала кажется волшебством, но на самом деле это болезнь, от которой надо лечиться. Еще одну спутницу Пабло, фотографа Дору Маар, роман с художником привел в психиатрическую клинику, где знаменитый Жак Лакан лечил ее электрошоком. Все оттенки розового Роман с Оливье вырвал Пабло из когтей тоски и печали, в его картинах появились светлые тона — начался так называемый розовый период, словно рассвет после долгой ночи. Он нашел новых моделей для картин: пропащих людей улиц и кабаков сменили цирковые артисты. Одними из первых работ этого этапа стали «Девочка на шаре» 1905 и «Семья акробата с обезьяной» 1905. Через знакомого клоуна, подавшегося в галеристы, Пикассо познакомился с Гертрудой и Лео Стайнами — американцами, приятельствовавшими со всей парижской богемой. Брат и сестра с ходу и за большие деньги купили «Девочку с цветочной корзиной» 1905. Последний стал активным пропагандистом творчества Пикассо: написал о нем первые статьи и привел галериста Амбруаза Воллара, который купил у Пабло несколько десятков картин за умопомрачительную в ту пору сумму — две тысячи франков жить на два франка в день считалось нормальным. Маска Жажда жизни заставляла Пикассо часто менять женщин и направления в творчестве.
Больше всего он боялся застоя, однообразия. Фотография сделала классическую живопись бессмысленной, импрессионисты с модернистами уже сказали свое слово, и Пикассо напряженно искал новые пути. Ключом к очередному этапу стало африканское искусство. Маски и статуэтки в музее Трокадеро заворожили Пабло, их грубоватые формы несли в себе первобытную мощь. Так закончился розовый период и начался африканский. Около года — непомерный срок для художника, способного писать по картине в день, — он работал над огромным полотном, которое называл сначала «Философский бордель», а затем «Авиньонские девицы» 1907. Увидев картину, богемные друзья не знали, что сказать: ломаные формы, страшноватые, напоминающие маски лица. Для Пикассо «Девицы» стали манифестом новой живописи. Он писал ее не для продажи, и почти 20 лет картина пролежала в его мастерской. Кубизм стал продолжением экспериментов с формой.
Пикассо сражался с реальностью, разбирая ее на куски и затем собирая вновь по собственному усмотрению. Со временем он начинает добавлять в картины фрагменты реальных предметов: газет, стульев и прочего, вводя в моду технику коллажа. В период кубизма Пабло плотно сотрудничает с Жоржем Браком — ни до, ни после индивидуалист Пикассо не работал в тандеме. Кубизм «сломал» мир искусства, так же как Пикассо ломал реальность на своих полотнах. Тысячи художников подхватили идеи Пикассо и Брака, а любители традиционной живописи не находили слов, чтобы выразить возмущение. Русское В начале 1910-х Оливье сменяет Марсель Умбер — тихая скромная девушка, далекая от распущенной богемы. С ней Пикассо познакомился в кафе, когда играла песня Ma Jolie «Моя прелесть» , — так он ее и стал называть — Жоли. Художник влюбился без памяти и планировал жить с Умбер долго и счастливо, благо финансовое положение его становилось все лучше и лучше. Но мечты разбила череда трагедий: сначала умер отец Пабло, затем у Жоли нашли рак, и она быстро сгорела. Шла Первая мировая война, внешний и внутренний мир Пикассо рушился.
Многие друзья-художники ушли на фронт, его не взяли. Потеряв человека, которого любил, как, наверное, еще никого в жизни, Пикассо пребывал в отчаянии. Но, как всегда в его долгой истории, за спадом последовал новый подъем. Жан Кокто свел художника с Сергеем Дягилевым, руководителем «Русского балета». Пикассо поручили оформить спектакль «Парад». Во время работы Пикассо увлекся балериной Ольгой Хохловой. Услышав от Дягилева веское: «С русскими женщинами не развлекаются, на них женятся», Пикассо, недолго думая, повел ее под венец по православному обряду в парижском соборе Александра Невского. Женившись на русской аристократке, он попал в великосветские круги: званые обеды, приемы у герцогинь и тому подобное. Но все это быстро приелось. Художник томился пышной праздностью, а старых его богемных друзей Ольга и на порог не пускала.
Поначалу Пикассо подыгрывал любимой, начав по ее просьбе даже рисовать в более реалистичной манере, — удивительный шаг для столь гордого человека. Пабло Пикассо и Ольга Хохлова в театральной мастерской в Лондоне осенью 1919 года У них родился сын Пауло, и это был апогей семейной жизни Пикассо. Он оформлял дягилевские балеты и писал жизнерадостные, светлые полотна. Этот период назвали неоклассицизмом. Личное счастье художника совпало с настроением в обществе: Европе хотелось пожить спокойно после мировой войны.
Скульптура считается уникальной потому, что мастер сам вручную ее окрасил. Альберто Джакометти - известный скульптор и художник XX века, любимец парижской богемы 30-40-х годов. Одним из его самых известных скульптурных произведений является "Шагающий человек" 1960 года. Джакометти - яркая фигура в сюрреалистическом и экспрессионистском направлении в искусстве.
Его работы считаются одними из самых дорогих на современном арт-рынке.
Пикассо знаменитые картины
Примерная тематика и специализация: общественно -— информационная, реклама в соответствии с законодательством Российской Федерации о рекламе. Форма периодического распространения: сетевое издание. Территория распространения: Российская Федерация, зарубежные страны. Главный редактор: Шелягин Александр Юрьевич.
В картине лишь 50 оттенков серого, нет даже чистого белого цвета, но именно так Пикассо и представлялась война — действо, противоречившие самой жизни, поскольку смысл войны в её уничтожении, пусть и облечённый придворными пропагандистами в разные высокие идеи. Любительница абсента Абсент вполне можно назвать особым явлением в культуре, а его употребление воспевали Эрнест Хемингуэй, Оскар Уайльд и Артюр Рембо. Да и многие художники-импрессионисты, например, Дега, Мане и Тулуз-Лотрек не могли остаться в стороне и охотно изображали любителей «Зеленой феи». Эдуард Мане. Любитель абсента Правда, большинство картин если не напоминают плакат «пьянству бой», то близки к нему — пьяницы изображены очень достоверно и красноречиво, и мало кто вообще хотел оказаться бы на их месте — ни радости, ни откровенного веселья, как при употреблении вина в хорошей компании, они не проявляют. Но уже плотно попали в объятия «зеленой ведьмы» и пути назад к нормальной жизни уже не предвидится. Портрет Анхеля Фернандеса де Сото Любитель абсента Но именно «Любительница абсента» Пикассо считается самой известной картиной на эту тему.
Пикассо знал, о чём писал — он жил в Париже, когда нищие художники и прочие представители богемы ходили по ночам в бордели и охотно пили абсент, чтобы сполна вкусить все прелести «богемной жизни». Впрочем, счастливым то время для Пикассо назвать было сложно — он разрывался между Парижем и Барселоной, работал на износ и ощущал острую нехватку денег.
В конце 1960-х квартиру Ландау обчистили воры, которые вынесли множество драгоценностей из сейфа. К счастью, бриллианты были застрахованы, и после ограбления женщина получила серьезную страховку, которую потратила на собирательство и поддержку художников. В марте этого года Эмили умерла в возрасте 102 лет, и ее дочь Кандия решила выставить часть собрания на продажу.
Но наследница отдала предпочтение первому. Они, считай, провались.
Они или не могут быть проверены, или противоречат друг другу. Пикассо утверждал, что с юности писал как Рафаэль. И современные искусствоведы с радостью подхватывают эту цитату, слабо задумываясь, что это не так! Пикассо всего лишь посредственный художник-реалист, умениями которого воспользовались пропагандисты "нового искусства", дескать, смотрите: он может как Рафаэль, но это уже не актуально, настало новое время и вот - этот гений превзошел Рафаэля, и пишет по-новому. Портрет матери. Приехав в Париж из Испании Пабло не имел ни гроша в кармане. Поселился в самом дешевом месте: на Монмартре, начал водить дружбу с постимпрессионистами. В голодное время его содержал гомосексуалист Макс Жакоб.
Известна фраза Пикассо: "У меня нет друзей, есть только любовники". Проверить ее так же сложно, как и все остальные перлы художника. Вполне возможно, что она была сказана, чтобы в очередной раз шокировать публику и завести дружбу в определенных кругах. Стоит отметить, что Пикассо отнюдь не продавал свои холсты как горячие пирожки, но уже вскоре после приезда во Францию начал покупать дворцы и замки. Причем точное их количество - неизвестно. Имена продавцов и прежних владельцев также со временем затерялись. Точные суммы сделок, даже годы покупок в разных источниках отличаются. Поэтому не будем приводить сомнительные даты. Посмотрите лишь на малую часть покупок: Замок Буажелу в Нормандии; Вилла "Калифорния" в Каннах; замок Гримальди Антиб - предоставлен Пикассо муниципалитетом сразу после реставрации, сейчас это музей Пикассо; замок Вовенарг; 35-комнатная вилла в Мужене... Замок Вовенарг Но почему на фоне действительно гениального, но нищего Писсарро, голодного Ван Гога, полупомешанного от невзгод Мунка и прочих подобных, у Пикассо была такая роскошь?
Ответ не прост. Направляя Европу по ложному пути развития искусства, Америка не только не разрушила свою живописную школу, но и укрепила ее, обесценив и скупив полотна, являющиеся произведениями искусства. Посмотрите на современных американских, канадских, австралийских реалистов. Они на столетие опережают многих европейцев. Американские музеи, конечно, приобрели картины экспрессионистов, но не заполонили ими все выставочные площадки. Спонсируемый десятками заинтересованных лиц Пикассо стал ложным маяком для десятков наивных художников: дерзайте, лепите мазню и будете покупать себе новый замок не реже, чем раз в два года. Этот миф поддерживается и сейчас. Например, в наши дни во Франции есть два главных покупателя современной живописи и надежда большинства ныне живущих художников - Бернар Арно и Франсуа Пино владелец аукциона Кристис. И тот и другой поднялись на торговле, в частности, древесиной, стройматериалами, они владеют десятками лакшери-брендов, в том числе в модной индустрии, это Gucci, Marc Jacobs, Givenchy, Celine, Kenzo Christian Dior, Louis Vuitton, Moet.
Самая известная картина пикассо
Чтобы его легкие раскрылись, ему в носик вдули сигаретный дым. Так началась жизнь самого юного в мире «курильщика» и вместе с тем величайшего художника девятнадцатого века Пабло Пикассо. Необычный талант начал проявляться у мальчика ещё в раннем детстве. Его первое слово было «карандаш», и рисовать он научился прежде, чем говорить. Пабло был избалованным ребёнком. Родители души не чаяли в их единственном и к тому же очень красивом сынишке. Он ненавидел школу и очень часто отказывался туда идти до тех пор, пока отец не разрешал брать ему с собой ручного голубя из домашней голубятни. Кроме голубей, он очень любил искусство. Когда Пабло было десять лет, отец часто брал его с собой в колледж, где работал учителем рисования. Он мог часами наблюдать, как отец рисовал, и иногда даже помогал ему. Однажды, отец Пабло рисовал голубей и ненадолго вышел из комнаты.
Когда он вернулся, то увидел, что Пабло закончил картину. Она была настолько прекрасной и живой, что он отдал сыну свою палитру и кисти и больше никогда не рисовал сам. Тогда Пабло было всего тринадцать, но он уже превзошел своего учителя. С тех пор краски и кисти стали жизнью Пабло. Было очевидно, что он гениален. Но, к разочарованию многих, его искусство не было классическим. Он всегда ломал правила и каноны традиционного искусства и шокировал своими странными, но такими энергетически мощными картинами. Больше всего он был известен картинами в стиле «кубизм» — живопись с использованием простых геометрических фигур. Например, людей он изображал треугольниками и квадратами, вырисовывая части тела и черты лица совсем не в тех местах, где им положено быть. Его работы перевернули представление людей о современном искусстве.
По такому случаю мы решили сегодня проиллюстрировать основные вехи жизненного пути знаменитого на весь мир художника. Пикассо в возрасте 15 лет. В 8 лет он написал свою первую серьёзную картину маслом, «Пикадор», с которой он не расставался в течение всей жизни. Пикассо, 1904. Потом сам Пабло говорил, что именно эти сказки и побудили в нём желание творить, используя те же самые эмоции одного дня.
Портрет Леопольда Зборовски, 1916.
Он гарантировал, что найдёт покупателей, которых заинтересуют такие полотна. Своё слово Зборовски сдержал: немало картин приобрели коллекционеры Йонас Неттер и Роже Дютийоль, что помогло Модильяни отчасти улучшить финансовое положение. Обнажённые женщины Модильяни наследуют классической традиции: от «Рождения Венеры» Боттичелли до салонной живописи 19-го века, от «Махи обнажённой» Гойи и «Большой одалиски» Энгра до «Олимпии» Эдуарда Мане. Что особенно чувственно в произведениях Модильяни, так это небывалая близость модели к зрителю и мощное присутствие телесности, не смягчённой никаким мифологическим нарративом. Стилизация силуэтов и формализация являются отсылками к архаичному искусству. На своей первой и единственной при жизни персональной выставке в декабре 1917 года Модильяни выставил 20 полотен, представлявших обнажённых женщин.
Этот цикл картин, сегодня считающийся самым известным в наследии живописца, произвёл эффект разорвавшейся бомбы. Вокруг галереи собралась такая толпа, что пришлось вмешаться полиции. Стражей порядка возмутила не столько сама нагота, сколько физиологичность изображений. Под угрозой конфискации полотна пришлось изъять из экспозиции. Наученный горьким опытом, Амедео больше не писал обнажённую натуру — модели на последующих работах так или иначе были прикрыты. Интересно, что обвинения в порнографии и тяготению к сексуализации искусства противоречат личности самого Модильяни.
В 1918 году он и его партнёрша Жанна Эбютерн посетили знаменитого импрессиониста Пьера Огюста Ренуара. Вероятно, желая повеселить Модильяни, Ренуар заявил, что считает картину с обнажённой натурой лишь тогда законченной, когда у него появляется желание шлёпнуть её по ягодице. Итальянец шутку не оценил и отрезал: «Мне не нравятся ягодицы». В последние два года своей жизни он в основном писал самых близких ему людей, прежде всего Жанну, свою возлюбленную. Под впечатлением приближения отцовства он впервые начал изображать детей. Алиса, 1918.
В то время французский авангард активно использовал средства архаического и не европейского искусства, тем самым порывая с академической изобразительной традицией. Появился термин «примитивный»: в случае с искусством он подразумевает, что художники, подобно мастерам византийских икон и европейским ремесленникам, следовали многовековым традициям. Замок Ангкор в современной Камбодже, выросший в джунглях, ассоциировался с Храмом Соломона; африканская скульптура сравнивалась с искусством Древнего Египта. Модернисты были восхищены теми намеренно абстрактными формами, которые художники прошлого, не испорченные цивилизацией, придавали фигурам людей.
Как часто это бывало раньше, все изменила женщина. Пикассо и молодая художница Франсуаза Жило познакомились в 1943 году. Приступы ревности довели Дору Маар до психиатрической больницы, но художник, не приметив в этом и толики своей вины, вскоре предложил новой любовнице переехать жить к нему. Собственный талант Франсуазы быстро чах под тесным крылом великого мастера, но ей одной из всех бывших и будущих любовниц удалось стать Пикассо другом и с годами не потерять его уважения. Покорная, но не теряющая собственного достоинства, любящая, но не приклоняющаяся, Франсуаза открыла для художника по-настоящему счастливую жизнь. Вместе они постепенно перебрались на юг Франции, где воспитывали двоих детей, держали множество домашних животных и птиц, в особенности голубей.
Позже Франсуаза написала книгу о своей жизни с Пикассо, где неоднократно упоминала, как художник любил встречать ее, сидя на окне с голубем на плече. Однажды они вместе нашли раненого совенка, выходили его и оставили жить у себя. Хотя совенок не признал заботы и демонстративно отворачивался, стоило только Пикассо войти в комнату, создать несколько картин с его участием все же удалось. Южная идиллия дополнялась теплым морским воздухом, криками чаек, любимыми утренними ворчаниями Пикассо и поцелуями Франсуазы. Очень скоро родился знаменитый образ «женщины-цветка» — именно так художник видел свою новую музу. Ее лицо на каждом полотне оставалось одинаково красивым, умиротворенным и доброжелательным, а тело превращалось в стройное и грациозное растение. Идея подарить Франсуазе зеленые волосы принадлежала Матиссу. Первое, что он воскликнул, когда Пикассо привел ее в гости: «Дорогая, если бы я рисовал ваш портрет, волосы были бы зелеными». Конечно, Пикассо это всячески отрицал. Помочь зрителю открыть нечто, чего бы он без меня не открыл.
Поэтому моя цель — изобразить вещи в движении, вызвать это движение противоречивыми устремлениями, противоборствующими силами, и в этих устремлениях или противоборствах найти момент, который меня больше всего интересует», — рассказывал Пикассо Франсуазе. Наравне с портретами Франсуазы художник не переставал рисовать натюрморты, многие из которых потом распродавал, устраивая из этого буквально театральную драму. Он часами заставлял своих покупателей ждать в приемной и, пока чинный дворецкий утверждал, что «мсье очень занят», сам наотрез отказывался вылезать из кровати. Затем же своих самых верных клиентов оставлял ждать в приемной, делая вид, что собирается все продать кому-то другому. Однако же, ничего не продавал. За закрытыми дверьми он повторял: «Приходите завтра, или, лучше, через месяц», а при всех похлопывал незадачливого дилера по плечу, делая вид, что сделка состоялась.